Varios Artistas: "Azapa. Música para los muertos" (2006)

Hago una excepción al espíritu de este sitio debido a un disco -ya se lo imaginan- excepcional. Corresponde a un proyecto financiado por FONDART, para grabar a las bandas que tocan cada 1º de Noviembre en el cementerio de San Miguel de Azapa (en el Norte de Chile). Es una excepción, primero porque no es un disco encontrado en Internet: se trata de una edición limitada, no disponible para la venta y publicada aquí con el permiso del equipo que realizó la grabación y postproducción. Y segundo, porque en vez de escribir sobre él me limito a transcribir la introducción que viene en el CD (si alguien se interesa por el resto de los textos y las fotos, me avisa):

Cada día 1º de Noviembre los deudos acuden al cementerio de San Miguel de Azapa a compartir con sus difuntos, colmando de colores, aromas y ritmos los áridos cerros que encajonan el valle al interior de Arica. Familias enteras viajan hasta allí desde el interior de Tarapacá y de lejanas ciudades especialmente para celebrar ese día dedicado a los muertos. Gastan en comida y bebida para ofrecerla a la gente en favor de su finado, arreglan y adornan tumbas y nichos con flores de psicodélicos colores, convocando bandas para honrar a aquellos que ya fallecieron con los temas musicales que fueron en vida sus predilectos. El material contenido en este disco es el fruto de reiteradas visitas al poblado de San Miguel, de invitaciones a participar junto a las familias y bandas que acuden año tras año al cementerio, de las historias y amistades surgidas en tales encuentros iniciados el año 2004.

"Estos son los temas que le gustaban al papá, cuando era joven andaba enamorando a mi mami bailando taquiraris y cumbias, cantando wayños. Siempre le gustó la fiesta, que a nadie le faltara nada, por eso hoy lo recordamos con alegría, como fue él en vida. El dolor, la pena, son para nosotros, para mi viejo, lo mejor. El que es macho viene a las doce de la noche a llorar al cementerio, ahora tengo que recibir a los amigos, a todos los que vinieron a verlo. Usted también, sírvase una cervecita."

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(proximamente) Sitio web del proyecto

(casi) Sumo: "En Vivo en Quilmes Rock 13/04/2007"

En la aparentemente paralela realidad donde habito, esto habría sido como para que alguien me llame por teléfono y me cuente. Pero nadie me llamó. ¿Acaso a nadie más le parece increíble que se hayan juntado en un concierto todos los ex integrantes de Sumo, incluyendo a su primer baterista Alejandro Sokol? Pues bien, a mi me lo parece. Ocurrió en el Festival Quilmes Rock, en la cancha de River Plate, la noche del Jueves 13 de Abril del 2007. Ajá, 20 años después. Las Pelotas había tocado antes y cerraban los Divididos, quienes alcanzaron a empezar tres veces su cover de "Next Week" (o Nesquick, si se quiere). Entonces subieron todos y resucitaron, sin ensayo y a lo bestia, "Crua Chan", "Divididos por la felicidad" y "Debede". Nada de hits, sólo the real thing sin anestesia. Luca, sacúdete en tu cripta.

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La noticia en un diario / La noticia en Rolling Stone, con fotos /La noticia en un Blog, con fotos / Rock.com.ar / Wikipedia / Descarga un concierto de Sumo en 1985 (en La Cofradía, gran Blog de Discos)

Pentagram: "Pentagram" (2001)

Si en el espíritu de Rob Fleming hiciera el Top 5 de conciertos en los que he estado presente, uno de ellos sería el de Pentagram en el Gimnasio Manuel Plaza. Corría el agitado año de 1987, y como ya era tradición esa noche se presentaban en el Manuel Plaza un millón de bandas death y black metal. La memoria me falla, pero puede que incluso haya estado ahí Atomic Aggressor, la banda de nuestro compañero de colegio apodado Demon of Darkness. En cualquier caso, el plato de fondo que habíamos ido a ver era la banda de Anton Reisenegger. En aquellos años mi personal stereo rotaba basicamente con Ride the Lightning, Master of Puppets, Show no Mercy y especialmente Reign in Blood, discos que hasta hoy están dentro de varios Top 5, Top 10 y Top Etc. Aún así, cuando escuché el Demo I de Pentagram se me dió vuelta la cabeza. Por aquellos años los sellos chilenos grababan cualquier cosa con olor a pop o a fogata playera, pero la escena metalera sólo existía en los subterráneos y en gimnasios diseñados para encuentros de boxeo. En ese universo paralelo sin Internet (si, el rumor es cierto, hubo una época en que no existía Internet) la única posibilidad de registrar algo era grabar un par de temas, y luego enviarlos en un cassette para que los comentaran en pasquines editados en fotocopiadoras. En Enero de 1987 Pentagram grabó su primer Demo, con los temas Fatal Predictions, Demoniac Possesion y Spell of the Pentagram, llevando el espíritu de Venom y Slayer varios pasos hacia adelante. En Septiembre del mismo año grabaron su Demo II con tres nuevos temas, pero no mucho tiempo después se separaron. Según dice Anton Reisenegger, lo hicieron por la frustación de saber que nunca iban a tener un sello, por la actitud del público de escupirlos como muestra de apoyo, y también por estar demasiado preocupados de las minas y el alcohol. Luego Reisenegger formó Criminal, grupo con el que grabó varios discos y que sigue existiendo con una nueva formación. El tiempo siguió avanzando, y a principios del 2001 leí que los dos Demos de Pentagram acababan de ser publicados en CD en una edición limitada, incluyendo como bonus tracks dos temas grabados en 1987 en el Manuel Plaza. No puedo negar que me emocioné y fui rápidamente a una de las pocas tiendas especializadas que, según el artículo, lo tenían a la venta. En mi delirio, estaba convencido de que lo encontraría en un lugar destacado de la vitrina o, incluso, que corría el riesgo de que se hubiese agotado. No era así. El vendedor lo sacó de algún estante cualquiera, y me lo entregó sin darle ni la más mínima importancia. El mundo siguió girando, pero yo salí con mi disco y con la certeza de que, aunque nadie más lo supiera, tenía entre las manos un verdadero tesoro. Y bueno, como dicen en los finales de películas Hollywodenses, hoy el Gimnasio Manuel Plaza no existe, Anton Reisenegger vive en Europa y la escena metalera es parte del paisaje pop. The End.

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Un buen artículo

Sam Cooke: "Portrait of a Legend 1951-1964" (2003)

En la patológica búsqueda monárquica en la que estamos inmersos, Sam Cooke ha sido etiquetado más de una vez como el rey del soul. Una de las razones para este ridículo título seguramente son las 29 canciones que figuraron en el Top 40 estadounidense entre 1957 y 1961, pero no dejen que la cursilería los confunda. Cooke nació en 1931 en Mississippi, tuvo un padre pastor bautista, y hasta 1957 integró los grupos gospel Highway QC y The Soul Stirrers. Para un cantante de alabanzas a Dios grabar música pop habría sido un suicidio -los adoradores no eran muy flexibles- así que ese año lo hizo bajo el nombre de Dale Cook (con Lovable). Sin embargo Cooke no era precisamente el maestro del disfraz, y todos se dieron cuenta al primer intento. De ahí en más abandonó la ruta del gospel y se convirtió al paganismo musical, siendo uno de los primeros intérpretes de R & B en obtener éxito comercial componiendo sus propios temas. Aunque para la gran masa Cooke puede sonar a utensilio de cocina, su influencia como intérprete o compositor puede ser reconocida por todos lados: desde Rod Stewart a Bob Marley, desde The Animals a James Taylor, desde John Lennon a Bruce Springsteen, desde Marvin Gaye hasta Aretha Franklin, y sin olvidar a nuestro amigo Baby Huey de quien hablamos en el artículo anterior. Sam Cooke murió el 11 de Diciembre de 1964 en un Motel en Los Angeles, en un incidente nunca aclarado con la administradora. Este disco recopila sus canciones más populares, y aunque no soy muy amigo de los grandes éxitos esta es una excepción no sólo porque Sam Cooke hizo la mayor parte de su carrera grabando singles, si no además porque cualquier disco donde aparezca A Change Is Gonna Come merece todo mi respeto.

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Baby Huey: "The Baby Huey Story: The Living Legend" (1971)

James Ramey sufría de un severo trastorno glandular, que lo hacía tener un peso cercano a los 180kg. Además, hacia fines de los 60 había adquirido un gusto excesivo por la heroina, lo que sin duda no le hizo muy bien a su estado de salud. De hecho, murió en 1970 a los 26 años. Por otro lado Baby Huey, su alter ego, cantante de rock y soul, y cuyo nombre viene de un personaje de dibujos animados de los años 50, sigue estando en buena forma. En 1963 armó su banda de soul psicodélico, Baby Huey & the Babysitters, siguiendo la estela de Sly & the Family Stone. La intensidad de las presentaciones en vivo los llevó a grabar algunos singles, y a un contrato con el sello donde estaba también Curtis Mayfield. En honor a la verdad, el sello decidió contratar sólo a Baby Huey, y aunque el resto de la banda aceptó participar en la grabación del primer disco varios renunciaron poco después (you know: the singer, not the song, not the band). No hubiese sido necesario: el 28 de Octubre de 1970 James Ramey tuvo un ataque al corazón, sin haber alcanzado a terminar su disco. The Baby Huey Story: The Living Legend fue editado en 1971, y contiene temas de Curtis Mayfield, del propio Ramey, y una poderosa versión de A change is gonna come de Sam Cooke. Hay quienes dicen que el distintivo fraseo de Baby Huey influyó en el de los MC del rap y el hip-hop.

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Willie Colón con Héctor Lavoe: "Cosa Nuestra" (1971)

La salsa, en la forma que la conocemos hoy, cuajó en Niu Yol a fines de los sesenta. La verdad siempre fue un estilo medio nebuloso, mezcla de son, rumba, guaracha, guaguancó, mambo, charanga, son montuno, plena, y hoy por hoy también bolero, tango, soul, R&B, pop, hip-hop y cualquier otra cosa que se pueda tocar. Bien dijo Rubén Blades que la salsa no es un ritmo ni un estilo, si no un concepto. Alguien también dijo que para los latinos de Estados Unidos en los sesenta el lema era sexo, drogas & salsa, y vaya a saber uno si es verdad pero suena bonito. El asunto es que en 1965 el sello Fania Records contrató a Willie Colón, un muchacho de 15 años nacido en el Bronx de padres boricuas, inicialmente talentoso en el trombón, la flauta, la trompeta y el clarín, pero rapidamente también en la composición, arreglos, producción y dirección. A los 17 años graba su primer disco (El Malo, 1967), pero dado que el cantante de su banda había muerto en una pelea callejera, Fania recomienda a Héctor Lavoe, por ese entonces de 21 años y llegado algunos antes desde Puerto Rico. Resultó ser la combinación más efectiva desde que el ron conoció a la Coca-Cola o a la Pepsi, según donde lo hayan encontrado a usted los vaivenes del mercado. Hacia 1973 ya habían grabado juntos unos diez discos, y la fama empezaba a tragarse a Héctor de manera irreversible. Willie decide abandonar su propia banda, dejándosela a Héctor e incluso continuando como productor, pero la suerte ya había pasado el punto de inflexión y para principios de los 80 la maldición iba a toda marcha. Además de los predecibles excesos con el alcohol y el resto de las drogas, y también de la extrema agenda de presentaciones que le organizaban productores jubilosos con esta mina de oro, un incendio en su departamento lo obliga a saltar y se fractura las piernas. Le diagnostican SIDA, muere su suegra, muere también su hijo, y termina saltando de un décimo piso luego de la cancelación de un concierto por baja venta de entradas. Sin embargo sobrevive y en 1990, en un terrible estado producto de las secuelas de la caída y de la enfermedad, da un último concierto donde los productores terminan de enterrar la gallina de los huevos de oro. Héctor Lavoe murió en 1993, pobre como rata y abandonado por casi toda la gente que antes lo rodeaba. Maldita gente. ¿Dónde hay que firmar para dejar de ser gente?

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Television: "Marquee Moon" (1977)

Para algunos este disco puede ser una obviedad, pero no estamos aquí para preocuparnos de los snobs amermelados o los I'mSoCoolYou'reSoClueless. Estamos aquí por el apostolado de los discos interesantes, y no darle un lugar privilegiado a Marquee Moon sería un desatino, una falta de respeto y una blasfemia de proporciones. En no muchas palabras, Thomas Miller y Richard Meyers se conocieron en el colegio en Delaware y luego huyeron en busca de algo. Rebautizados como Tom Verlaine y Richard Hell, se reencontraron en New York aspirando a ser poetas y formaron una banda con Billy Ficca. La llamaron The Neon Boys, pero poco después la rebautizaron Television y consiguieron tocar en CBGB junto al resto de los próceres del punk. Qué se yo, The Ramones, Blondie y Patti Smith, por ese entonces pareja de Verlaine. Richard Lloyd llegó como segunda guitarra, pero Richard Hell se movía mucho en escena y en vista de las diferencias de estilo con Verlaine y el resto de la banda, se llevó sus canciones a otro lado. Digamos a The Heartbreakers y a Richard Hell and The Voidoids, próceres de la heroina. Fred Smith lo reemplazó en el bajo, grabaron el single Johnny Jewel y luego Marquee Moon. Si cuento toda esta historia es exclusivamente para confundirlos, tal como me ocurrió a mi durante los años en que imaginé a Television como una especie de banda punk alternativa. Craso error. Bastó escuchar este disco una vez para terminar golpeándome la cabeza contra el suelo. Primera lección: escucha todo al menos una vez. Es posible que por ahí anden otros Marquee Moon riéndose de tus prejuicios.

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MC5: "Kick Out The Jams" (1969)

MC5 bien podría ser el eslabón perdido entre Woodstock y el Ozzfest. Como ya tristemente sabemos, con los años la música se vuelve cada vez menos y menos original. Por ejemplo, sigamos esta secuencia arbitraria: en Abril del 63 The Kingsmen graban su versión de Louie, Louie, en Noviembre del 64 The Sonics graban The Witch, en Julio del 65 The Velvet Underground graban un demo tape, en Mayo del 66 le gritan ¡Judas! a Bob Dylan en el Free Trade Hall, en Enero del 67 The Jimi Hendrix Experience graban Purple Haze, en Mayo del 67 The Who graban I Can See For Miles, en Septiembre del 68 The Beatles graban Helter Skelter, y en Octubre del 68 MC5 graba en vivo su primer disco. Como contraparte, es muy probable que desde 1990 hasta hoy la música la esté creando una manada de marmotas. Por allá por 1968 los guardianes del orden y la clasificación fueron incapaces de determinar que demonios estaba sonando en Kick Out The Jams, y les pareció inaceptable que tuvieran la ocurrencia de incluir -por primera vez en un disco- una vulgar grosería. Oh cielos. Con el tiempo construyeron una caja negra, la bautizaron Protopunk y los guardaron ahí junto a The Stooges, a los mismos The Sonics y a otro montón de desatados. Por mi parte, propongo olvidar todo ese cacareo de etiquetas inconducentes y simplemente dejar que Rob Tyner siga gritando and right now it's time to ... KICK OUT THE JAMS, MOTHERFUCKER!

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The Shaggs: "Philosophy Of The World " (1969)

A veces crees que has descubierto algo increible, y resulta que medio mundo ya lo había descubierto antes. Bueno, si le pasó a Colón con un continente perfectamente puede pasar con un disco, aunque se trate de uno de la magnitud de "Philosophy of The World". El primer disco de The Shaggs desafía casi todas las ideas que puedas tener sobre la música y la forma de hacerla. Lo escuché pensando que se trataba de uno más para el inventario de música bizarra, y en cambio me topé con un tsunami extraterrestre. La historia oficial dice que la madre de Austin Wiggin, un norteamericano conservador y residente de un pequeño pueblo desconectado con lo que estaba ocurriendo en el mundo, le hizo tres predicciones: que se casaría con una rubia, que tendría dos hijos que ella no alcanzaría a conocer, y que sus hijas tendrían una banda. Si de las dos primeras se encargó la naturaleza, la última quedó en sus manos y Austin decidió dedicar el resto de su vida a cumplirla. Corría 1965 -recién el año anterior The Beatles habían debutado en el Show de Ed Sullivan- y Austin consideró que ya era tiempo. Para empezar, retiró a sus hijas del colegio y les impuso a cambio una dura disciplina de aprendizaje musical y ejercicios físicos. Si bien las chicas -Helen, Betty y Dorothy, conocida como Dot- escuchaban algo de música, se trataba de la menos innovadora a la que unas jóvenes de mediados de los sesenta podían acceder. Según los parámetros tradicionales, entre los cuales incluyo todo el espectro desde Pat Boone hasta Velvet Underground y más allá, las hermanas Wiggin nunca aprendieron a tocar sus instrumentos. A pesar de eso, a principios de 1969 Austin llevó a The Shaggs -el nombre con que las había bautizado- a un estudio para que registraran las composiciones de Dot. El ingeniero de sonido, conmovido por la candidez de las chicas, le sugirió a su padre que no gastara el dinero hasta que aprendieran al menos algunas nociones básicas, pero Austin insistió. Según documenta un relato, a veces durante la sesión las hermanas pedían empezar de nuevo porque se habían equivocado, mientras en el estudio se preguntaban cómo podían distinguir un error entre tanta incoherencia. El resultado de esta sesión fue "Philosophy of The World", llamado por algunos el peor disco de la historia del rock. Algo así como el Plan 9 de la música popular. Algunas voces de la vanguardia le dedicaron comentarios elogiosos, quien sabe si en forma sincera, irónica o puramente snob. Frank Zappa dijo en una entrevista que no sólo era uno de sus discos favoritos de todos los tiempos, si no que además consideraba a The Shaggs mejores que The Beatles. Con el tiempo, otras voces también les dedicaron palabras. Por ejemplo en 1981 Lester Bangs, uno de los periodistas de rock más influyentes e inspiración para el personaje de Philip Seymour Hoffman en Casi Famosos. O en 1999 Susan Orlean, periodista de The New Yorker y autora de El Ladrón de Orquideas. Si quieren conocer mi opinión, hay algo increible en el disco de The Shaggs que va más allá de lo snob y cool que puedan decir de él los farsantes intelectualoides. The Shaggs no son Mrs. Miller, con toda la simpatía que le tengo a la señora Elva. Hay algo en ellas que va más allá de mi comprensión y que resulta fascinante. Las voces armónicamente monótonas, la guitarra permanentemente afinada en otro tono, la batería siguiendo sus propios patrones y sus letras ingenuas e infantiles, todo tan perfectamente consontante entre si como perfectamente disonante con el resto del universo. Como si hubiesen desarmado cuidadosamente la música y luego encontrado otro órden en que las piezas volvían a calzar. Y eso es algo completamente distinto a meter todo en la licuadora y ver que resulta. Parafraseando, hay método en esa locura. Seguramente las hermanas Wiggin no querían ser ni sabían quienes eran Lou Reed, John Cage o La Monte Young. Quizás querían hacer bellas canciones pop y fracasaron estrepitosamente en el intento. Quizás no. La verdad no lo sabemos y creo que no tiene importancia. Una vez que logras superar el difícil umbral de su extraterra forma de hacer música, empiezas a preguntarte qué es la vanguardia y hasta donde la intención es lo que vale. Hoy Dot limpia casas para mantener a su familia, Betty fue hasta hace pocos años conserje en un colegio, y Helen arrastra una depresión que le impide trabajar. A veces son sorprendidas por cartas de lugares remotos o visitantes que las quieren conocer. Seguramente no distinguen entre la ironía y el genuino interés pero, siendo sinceros, ¿quién podria?

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Wikipedia / All Music Guide / Página (que dice ser) Oficial / Artículo de Lester Bangs / Artículo de Susan Orlean / Artículo en Castellano / Otro Artículo en Castellano

Original Soundtrack: "Hedwig and the Angry Inch" (2001)

Hablar de Hedwig es un ejercicio difícil, pues en cierto sentido es como hablar de lo increíbles que son los besos de mi mujer o lo deliciosa que es la comida de mi madre. Citando a Enrique Iglesias, es casi una experiencia religiosa. A fines de los noventa John Cameron Mitchell y Stephen Trask escribieron y montaron un musical off-Broadway, que un par de años después convirtieron en película. No sólo es la mejor película musical que he visto, si no también una de las mejores películas que he visto. Es más, se trata de una de las mejores cosas que he visto en cualquier género. Les dije que era un asunto místico. Si no han visto la película, véanla antes de escuchar el disco. Si tienen la posibilidad de ver un montaje, son ustedes unos malditos suertudos.

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Eric Burdon & War: "Eric Burdon Declares War" (1970)

Hace rato The Animals se había vuelto sólo un nombre para diversos grupos de apoyo de Eric Burdon -por uno de ellos incluso pasó un lolito Andy Summers- cuando se topó con Nightshift. Nightshif era una banda de soul y funk, tocaba en un topless y su cantante era un jugador de football. Resultó ser precisamente lo que Burdon necesitaba, y luego de rebautizarlos como War tuvieron un breve pero fructífero romance. Dos años y dos discos después Burdon los abandonó en medio de una gira por Europa, quizás porque la banda tenía demasiado peso por si misma. Es una lástima no tener a mano una máquina del tiempo para escuchar lo que alguna vez New Musical Express llamó "la mejor banda que se haya visto en vivo", pero su primer disco es mucho más que un buen premio de consuelo.

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Más información:
All Music Guide / Wikipedia War / Wikipedia Eric Burdon / Sitio Oficial War / Sitio Oficial Eric Burdon

Yo La Tengo: "Yo La Tengo is Murdering the Classics" (2006)

Para los fanáticos obtusos de Yo La Tengo este disco puede ser desconcertante, pero para el resto del mundo, incluyendo a los fanáticos no obtusos de Yo La Tengo, es arqueología pura. La cosa va así: La radio independiente de Niu Yol WFMU se financia gracias a las donaciones de sus auditores, y desde 1996 los muchachines de la banda ayudan haciendo de Wurlitzer. Por cada donación, los auditores tienen la posibilidad de pedir un tema -cualquier tema- y Yo La Tengo se lanza a interpretarlo como si fuese Velvet Underground animando una fogata. Este disco recopila 30 de esos temas, recorriendo desde 1996 hasta 2003, y es altamente recomendable tanto por lo exótico del repertorio, lo dicharachero de las interpretaciones y la confirmación de que cualquiera puede pasarlo bien tocando cualquier canción.

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Sitio Oficial / WFMU /All Music Guide / All Music Guide / Wikipedia

Dinosaur Jr.: "You're Living All Over Me" (1987)

Si este disco se hubiese publicado después de que "Nevermind" convirtió al rock alternativo en pop en 1991, seguramente habría rotado en MTV en vez de ser un disco de culto. Pero claro, si este disco no se hubiese publicado en 1987 en una de esas no habría existido "Nevermind", ni Nirvana, ni ese montón de zaparrastrosos etiquetados como grunge. A ratos Black Sabbath, a ratos Neil Young, a ratos Sonic Youth, a ratos Iron Maiden, a ratos todo junto, y a ratos algo indescriptible, este disco es poderoso como Moisés dividiendo las aguas. No en vano decían por entonces que J Mascis -guitarrista de Dinosaur Jr.- era Dios.

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Takeshi Terauchi: "Let's Go Classics" (1967)

La gira de The Ventures a Japón, en 1962, dejó una estela de grupos Surf Rock sólo comparable a la de grupos Punk que iban dejando The Ramones en los 70. Conocido como el fenómeno Eleki, alcanzó dimensiones de beatlemanía cuando The Ventures volvieron a Japón tres años después. Uno de los guitarristas que se subió a la ola (oj oj oj) fue Takeshi Terauchi, y con su banda The Bunnys grabaron en 1967 un disco de música clásica en versiones surf. Ni un hijo de Dick Dale con Von Karajan lo hubiese hecho mejor. Bueno, si de algun modo esos dos hubiesen tenido un hijo biológico creo que lo habría hecho mejor, pero a falta de reproducción homosexual bien vale Let's Go Classics.

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Más información:
Descarga en WFMU / El primer disco de The Bunnys / Un artículo sobre música popular en Japón

Jorge Gonzalez: "El Futuro Se Fue" (1994)

Al año siguiente de su vilipendiado debut solista ("Jorge Gonzalez", 1993) Jorge Gonzalez ejecutó una inesperada venganza, y de paso uno de los discos más interesantes de la paupérrima producción Chilena. Experimental, ecléctico, rabioso y otros lugares comunes pueden describir a "El Futuro Se Fue", pero no se comparan con la experiencia de oirlo. En 1994 lo escuché y pensé "no lo entiendo". Hoy tampoco lo entiendo, pero en el camino descubrí que el entendimiento está sobrevalorado. Como diría Gilda, me asusta ... pero me gusta. Hasta donde sé, este disco está descontinuado y no se puede comprar en ninguna parte.

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(Re-encontrado el 17/11/2008 a petición)

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Cansei de ser Sexy: "Cansei de ser Sexy" (2005)

Dignos representantes del Electro / Kiddie / Lowfi / Pop, o tal vez del Casio / Dancing / Easy / Happy / Rock, los brasileños Cansei de ser Sexy fueron primero un fenómeno de la proto generación MySpace, es decir del Hype / Buzz / Cool / Now / Boring / Tomorrow, y recién el año pasado lanzaron su primer disco. Alegre y para todo gusto, desde el de las abuelitas hasta el de los infantes que no le temen a un poco de lenguaje soéz, es la banda sonora ideal mientras tomas un mojito o comes un helado de limón.

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